|
PROGETTO CONTEMPORANEAMENTE 2003 - RETE ARTE CONTEMPORANEA VALDERA a cura di Renato Baldasserini CENTRO D'ARTE LA PESCAIOLA Gruppo Archeologico Tectiana Sede Territoriale Lecu - R.A.C. Valdera Provincia di Pisa - Regione Toscana, N.E.F.F. |
;)
|
KOINÈ LINGUAGGI SOVRAPPOSTI Installazioni d'Arte contemporanea presso siti di interesse archeologico Terricciola 14 settembre - 26 ottobre 2003 |
|
scarica la brochure in formato pdf .zip (1,7 Mb) |
| PROGRAMMA | |||||||||||||||||||||||||||||||||||
|
|||||||||||||||||||||||||||||||||||
|
|||||||||||||||||||||||||||||||||||
|
|||||||||||||||||||||||||||||||||||
|
|||||||||||||||||||||||||||||||||||
| INSTALLAZIONI | |||||||||||||||||||||||||||||||||||
|
|||||||||||||||||||||||||||||||||||
Archeologia del futuro Ormai da alcuni anni Terricciola è diventata lo scenario di un magico incontro tra storia, archeologia e arte contemporanea. Grazie all'attività del Centro d'arte la Pescaiola e del suo organizzatore Renato Baldasserini, alla disponibilità dell'amministrazione e degli abitanti, vi si tengono simposi di scultura, spettacoli, performances che movimentano la vita di questo tranquillo borgo dell'alta Valdera e creano spazi imprevisti alla sperimentazione artistica. Tutte le iniziative nascono all'insegna di una profonda convinzione: se oggi l'arte ha un senso è nella sua capacità di allargare i confini della coscienza, di abbattere le barriere tra culture e linguaggi diversi. Sparisce così, prima di tutto, ogni distinzione tra i linguaggi dell'arte: musica e teatro si fondono con le arti figurative, la scultura più tradizionale si apre alla logica dell'installazione e dell'evento. Si stabilisce un rapporto diverso con il pubblico, non più chiamato a incontrare l'arte nei suoi luoghi deputati, ma in tutto il contesto della città e del suo territorio. Nel duemila la prima sfida, dal titolo Percorsi sacri: quattordici artisti, provenienti un po' da tutta Europa, sono stati invitati a realizzare le loro installazioni all'interno di piccole chiese e cappelle di famiglia. Chiese consacrate e ancora "vive", piene di memorie e di una religiosità semplice e autentica, con la quale gli artisti hanno dialogato con profondo rispetto, mescolando le proprie idee ed esperienze con la storia di quei luoghi. Per visitare Percorsi sacri era necessario andare su e giù per le colline intorno a Terricciola, seguire una mappa, fermarsi, attraversare un prato o salire in cima a un campanile, camminare all'aperto e poi entrare in luoghi profumati d'incenso, dove le opere "contemporanee" convivevano beatamente con i vecchi altari, gli stucchi e le statue dei santi. Un modo per capire la storia di questi luoghi, il succedersi di culture e religioni che si sovrappongono lasciando ognuna una traccia indelebile, e possono essere fonte di una profonda tolleranza. Nello stesso spirito, Koiné è stata, allo stesso tempo, una mostra-evento di arte contemporanea e un'occasione per conoscere la realtà archeologica e storica di Terricciola. Sette artisti sono stati invitati a realizzare le loro installazioni all'interno di tombe etrusche del periodo ellenistico, luoghi sacri che nel tempo hanno cambiato più volte destinazione, solitamente per diventare depositi agricoli o (meglio…) cantine. Grazie alla disponibilità e alla collaborazione del gruppo archeologico di zona, questi siti di straordinaria suggestione si sono trasformati nello scenario di un viaggio ideale tra passato e presente, tra la memoria del mito e la memoria dei singoli artisti, tra gli echi mai spenti di un tempo lontano e le ansie del presente. Per tutti i partecipanti all'avventura, la discesa nel sottosuolo di Terricciola ha coinciso, e non poteva essere altrimenti, con la necessità di "scavare" dentro se stessi: i cunicoli e le stanze sepolte, un po' come nelle Carceri di Piranesi, hanno assunto la veste simbolica dei labirinti del nostro inconscio, divenendo luoghi ideali per visioni oniriche e mirabili metamorfosi. A lavoro finito, l'effetto complessivo è quello di una scoperta che si compie sotto i nostri occhi: non più tombe vuote e spogliate di ogni memoria, ma luoghi saturi di oggetti preziosi e scintillanti, vestigia di una civiltà misteriosa eppure familiare, messa a nudo da un archeologo impaziente e avido di conoscenza. La prima tappa del percorso, che nella giornata inaugurale era guidato da un gruppo di giocolieri e artisti di strada, conduce il pubblico sul Belvedere di Terricciola: affacciandosi verso le colline si può godere di un panorama immenso, fino al profilo inconfondibile di Volterra. Per vedere il lavoro di Gianluca Sbrana bisogna invece sbirciare tra le ante di una minuscola porta. All'interno di un'antica tomba è collocato un Crocifisso tempestato di luci. L'oro delle icone bizantine, le vetrate delle cattedrali gotiche, la pittura pura come un cristallo degli affreschi italiani…gli artisti alle prese con l'idea del sacro hanno da sempre voluto – e dovuto- misurarsi con la luce, prima manifestazione del divino e sua forma simbolica. "Cosa avrebbero fatto- si è chiesto Gianluca - se avessero avuto a disposizione non solo pennelli e colori, smalti e vetri colorati, ma laser, fibre ottiche e luci al neon?". Nasce da questa domanda l'"icona" molto speciale pensata per Terricciola, un omaggio alla grande tradizione dell'arte sacra, a quella che si studia sui libri, ma anche a quella più popolare, alle edicole religiose di grandi città come Napoli o Rio, dove regnano incontrastati il vetro, le lampadine, la plastica colorata. Il percorso prosegue verso la necropoli ellenistica. È ancora la luce a fare da protagonista nell'installazione di Alberto Grigolon (in arte Greg). Nella leggera nebbia dell'Ipogeo dell'Orco nuotano pesci coloratissimi, sospesi a fili invisibili e illuminati dal wood. I pesci si muovono lentamente, mossi dalle correnti d'aria che penetrano all'interno, e sembra davvero di essere in un acquario, eppure, stranamente, quei pescioni metallizzati mi fanno venire in mente il traffico caotico di una città. Forse perché conosco altre "sculture" di questo giovane artista padovano: testuggini che volano in formazione come una pattuglia di F104, api metalliche che producono un miele di colore blu dalle proprietà taumaturgiche, insomma un "bestiario" che ha molto a che vedere con le nostre insane abitudini contemporanee… Pochi passi più avanti ed eccoci nell'Ipogeo del Pozzo. Caterina Sbrana ha un temperamento poetico: le sue fonti culturali vanno ricercate nell'Inghilterra vittoriana. Il suo quadro preferito: l'Ofelia di Millais (la sua tesi di diploma all'Accademia di Belle Arti di Carrara tratta, tra l'altro, dei suicidi femminili per annegamento e della loro iconografia). Qui a Terricciola ha ricoperto il pavimento della "sua" tomba di calchi in gesso dei "suoi" piedi, perfetti in ogni minimo particolare e tagliati all'altezza della caviglia. Una sterminata folla che s'incammina dalla città dei morti verso la luce del sole, o verso la notte. I piedi che guidano la folla sono dipinti d'oro, dunque si tratta di una processione: a noi il piacere di immaginarla. Vengono in mente anche i calchi delle città vesuviane, quei corpi in cerca di vita che hanno trasformato la storia della scultura moderna, costringendola a cercare una nuova e diversa naturalezza. Ancora un diverso carattere, quello di Michela Pelusio, che ha scelto come scenario dei suoi sogni l'Ipogeo delle nicchie, un budello lungo e stretto che si inoltra per venticinque metri a un angolo di quarantacinque gradi dal terreno della soglia. Convocata all'ultimo momento, Michela sfrutta uno dei suoi cavalli di battaglia, il Bianconiglio di Alice nel Paese delle Meraviglie (guarda caso un altro classico vittoriano…). Lo mescola, nel suo bel pentolone da strega beneventana, insieme all'Ombra della sera di etrusca memoria e ne vengono fuori sagome lunghe e strette che fuggono nel buio. Ma la cosa più divertente è la performance di suo marito, un olandesone di due metri, bianco e biondo, nudo e con i capelli incollati e imbiancati fino a diventare due smisurate orecchie (il tutto completato da un'inverosimile coda a pon pon). Marnix Dekker è l'alter ego di Michela, l'esatto opposto (tanto che verrebbe voglia di chiamarli Black & Dekker) e insieme sono una coppia formidabile, fatta di ironia e saggezza. Quel budello pieno di musica, di suoni, con quella presenza esilarante che si aggira tra le sagome con una sveglia in mano sdrammatizza di colpo tutta la situazione, frantumando di colpo la nostra incrollabile venerazione del Tempo. A questo punto s'incontra l'installazione di Debora Ramacciotti nell'Ipogeo delle conchiglie. Frugando in un vecchio baule, Debora ha scoperto una serie di monete. Sul retro immagini note o dimenticate di papi e re, dittatori ed eroi della rivoluzione, nel verso uva e aratri. Fotografate e applicate su grandi dischi le monete attraversano ora la tomba come se fossero state "gettate dalla mano di un gigante". Così, spaesate e ingrandite, quelle figure austere ed eroiche sembrano buone al massimo come etichette per le caciotte e il gorgonzola. Non solo il Tempo fa ridere, anche la Storia ha i suoi lati buffi. Accanto a Debora, nell'Ipogeo del Cippo, Gabriele Mallegni ci mostra gli ultimi frutti della sua ricerca scultoreo-psicanalitica sull'aracnofobia. Ormai da anni, con una sana monomania, Gabriele costruisce i suoi grandi animali, soprattutto insetti e ragni, utilizzando il ferro (corpo, arti, nervature) e la resina trasparente (per le ali). Creature sempre più eleganti ed elastiche, ormai quasi indistruttibili. Del resto quando uno scultore si mette in testa di rifare la creazione certe cose sono importanti, e gli insetti di Gabriele non sono "immagini" di insetti. Si muovono con il vento e proiettano ombre inquietanti, con le mandibole taglienti si divertono a smagliare le calze delle incaute fanciulle che si avvicinano troppo. Gabriele fa queste sculture per liberarsi da una paranoia: "Penso che il mio lavoro sugli insetti sia strettamente legato a una forte attrazione-paura che ho nei confronti di questi esseri, addirittura terrore. Fin dall'infanzia ho sempre associato gli insetti ad un senso di stupore misto ad angoscia forse per il fatto di non avere alcun controllo sui loro movimenti e per l'assoluta apparente incomunicabilità fra me e loro. Se immagino un luogo buio, un buco o un anfratto, o un luogo abbandonato l'associazione mentale al pericolo, alla presenza di un insetto è immediata. Credo che ciò non sia legato al fatto che questi esseri possano pungere o ferire; infatti anche quelli considerati innocui ed inoffensivi scatenano in me reazioni incontrollate. Spesso anche nei miei incubi l'insetto rappresenta l'oscura minaccia. In molti casi ho usato per le mie sculture materiali di recupero, oggetti dimenticati in discariche, e proprio per i loro luoghi di provenienza, essi erano spesso infestati da insetti e ragni, questo ha fatto maturare in me l'ipotesi di trasformazione di questi materiali in insetti stessi. La ricerca di componenti e materiali vari per le sculture è comunque legata alla fobia verso gli insetti; ma è proprio attraverso questa ricerca, che si apre come un canale di comunicazione con un mondo che mi attrae e mi ossessiona. Riesco quindi ad esorcizzare la paura mediante la sua rappresentazione, il fatto di renderla tangibile, e di potere toccare l'insetto senza pericoli, mi dà l'illusione di aver sconfitto il terrore. Un motivo per cui ho scelto il ferro, anche quello trovato o recuperato è perché penso che questo tipo di materiale si addica in particolar modo al soggetto rappresentato, gli conferisce comunque un'aria minacciosa e combattiva. Nelle ultime sculture ho intrapreso un discorso diverso, mirando più all'eleganza e alla finezza delle forme cercando di conferire leggerezza e dinamicità ai soggetti" Detto questo è facile immaginare il resto: una guerra tra ragni, quelli finti di Gabriele e quelli, veri e belli grossi, che abitavano la tomba. Il percorso si conclude nell'Ipogeo della Maschera, con l'installazione di Costanza Del Testa. Tra tutte è sicuramente la più complessa, sia per i valori simbolici che per le modalità di realizzazione. Una macchina "barocca" composta di decine di animali pazientemente cuciti e dipinti, acqua e specchi, luci che trasformano l'ipogeo in una sorta di apparato digerente "dove avviene la magica trasformazione da cibo a energia". L'ironia di Costanza è parente stretta dell'humor noir surrealista, delle metafore alimentari di Dalì e del suo mondo brulicante di presenze corrosive e aliene. Dall'alchimia rinascimentale alla bulimia delle immagini televisive, dal simbolismo pagano al cinema di fantascienza, le tracce interpretative si intrecciano e si confondono, in un labirinto di segni che ricorda il linguaggio enigmatico con cui le Sibille profetizzavano il tempo a venire. Archaeology of the future Ever since the last few years, Terricciola has become the scenario of a magical meeting place between history, archaeology and contemporary art. Thanks to the activities of the Centro d'Arte la Pescaiola (the Pescaiola Art Centre), and its organizer Renato Baldasserini, who has been at the administration's and inhabitant's disposal, there have been symposiums of sculpture, shows, and performances that enliven life in this tranquil town of the Alta Valdera region, and create unexpected spaces for the artistic experimentation. All of the initiatives derive from a deep and profound belief: if art has a meaning today, it is in its ability to broaden the boundaries of our conscious, to demolish the barriers between different cultures and languages. This is how, first of all, all distinctions between the language of the arts disappear: music and theatre blend in with the figurative arts, the more traditional sculpture opens up to the logic of the installation and of the event. A different relationship is established with the public, who is no longer called to meet art in its delegate spaces, but rather in the city's and territory's entire context. The first challenge was in the year 2000, titled Percorsi Sacri (Sacred Courses): fourteen artists coming from all over Europe were invited to actualize their installations inside the small churches and family chapels. Consecrated and still "live" churches, full of memories and also having a simple and authentic religiousness, with which the artists communicated by means of a profound respect, combining their ideas and experiences to the history of those places. It was necessary to go up and down the hills around Terricciola for visiting the Percorsi Sacri, follow a map, stop, cross a meadow or climb up a bell tower, walk in the open and then enter into places having the scent of incense, where the "contemporary" works harmoniously lived with the ancient altars, the plaster work and the saints; a way of understanding the history of these places, the succession of cultures and religions that overlap, each leaving an inerasable trace which can also be the foundation of deep tolerance. Having the same spirit, Koiné was, at the same time, a contemporary art exhibit-event and an occasion for gaining knowledge of the archaeological and historical reality of Terricciola. Seven artists were invited to actualize their installations inside Etruscan tombs dating to the Hellenistic period, sacred places which have often changed destination in time, usually becoming agricultural deposits or (better yet…) wine cellars. Thanks to the availability and collaboration by the archaeological group in the area, these sites of extraordinary suggestiveness have turned into the scenario of an ideal journey between past and present, between the memory of the myth and the memory of the single artists, between the continuous echoes belonging to a far away time and the anxieties of the present. For all of those participating in this adventure, the descent in the ground below Terricciola coincided, and it just couldn't be otherwise, with the necessity to "dig" inside oneself: the buried tunnels and rooms, a bit like the Prisons of Piranesi, assumed the symbolic vests of the labyrinths of our unconscious, becoming ideal places for oneiric visions and admirable metamorphosis. At the end of the job, the overall effect is that of one which is brought to an end right before our eyes: no longer empty tombs stripped of all memories, but places saturated with bright and precious objects, traces of a mysterious and yet familiar civilization, brought to bareness by an impatient archaeologist thirsting for knowledge. The first stop along the course, which on the day of inauguration was led by a group of jugglers and street artists, leads the public on to the Belvedere of Terricciola: looking out upon the hills an immense panorama can be enjoyed, even all the way to the unmistakable profile of Volterra. In order to see Gianluca Sbrana's work though, one must peek through the shutters of a very small door. A Cross inundated by lights is placed inside an ancient tomb. Gold from the Byzantine icons, the stained glass windows of Gothic cathedrals, the painting as pure as a crystal from the Italian frescos … the artists taken by the idea of the sacred have always wanted- and had to – measure up with light, the first manifestation of the divine and his symbolic form. "What would they have done – Gianluca asked himself – if they'd not only had brushes and colours, enamels and coloured glass at their disposal, but lasers, optic fibres and neon lights?". Arising from this question is the very special "icon" thought of for Terricciola, a homage to the great tradition of sacred art, to that which is studied in books, but also to the more popular one, to the religious shrines of the great cities such as Naples or Rio, where glass, light bulbs, and coloured plastic reign uncontested. The course continues towards the Hellenistic necropolis. Light is still once again the protagonist in Alberto Grigolon's (Greg in art) installation. Swimming in the slight fog of the Ipogeo dell'Orco (Hypogeum of the Ogre) are very colourful fish, suspended on invisible strings, and illuminated by the wood. The fish move slowly, moved by the air currents which penetrate the interior, and it really seems as though one is inside an aquarium, and, strangely enough, those big metallic fish remind me of the chaotic traffic in a city. Maybe because I have seen some of the other "sculptures" by this young artist from Padova: tortoises that fly in formation like an F104 patrol, metallic bees that produce blue coloured honey having a thaumaturgical properties, in short, a "bestiary" that has a lot to do with our unhealthy contemporary habits… Just a few steps further and here we are, in the Ipogeo del Pozzo (Hypogeum of the Well). Caterina Sbrana has a poetic temperament: her cultural sources are found in Victorian England. Her favourite painting: Millais' Ofelia (her graduation thesis at the Accademia di Belle Arti in Carrara, was on female suicides caused by drowning and on their iconographies). Here, in Terricciola, she covered the floor of "her" tomb with plaster mouldings of "her" feet, perfect in all their minimum details and cut at the ankle. An endless crowd starting off at the city, and headed towards the sunlight, or towards the night. The feet leading the crowd are painted in gold, thus, it is a procession: for us, the pleasure of imagining it. Also coming to mind are the casts of the Vesuvius cities, those bodies searching for life that have transformed the history of modern sculpture, obliging it to look for new and diverse naturalness. Yet another different character, that of Michela Pelusio, who has chosen the Ipogeo delle nicchie (the Hypogeum of the Niches) as the scenario of her dreams, a long and narrow intestine that continues for twenty five metres at a forty five degree angle from the ground's threshold. Summoned at the last moment, Michela uses one of her battle horses, the White rabbit from Alice in Wonderland (by chance, another Victorian classic…). She mixes it, in her Benevento witch's caldron, together with the Ombra della sera (Evening Shadow) of Etruscan recollection, with the outcome of long and narrow outlines escaping in darkness. But the most amusing aspect is her husband's performance, a two metre tall Dutchman, white and blond, and naked with his white coloured hair glued down, to the point of becoming two oversized ears (all of this complete with an unbelievable pompom like tail). Marnix Dekker is Michela's alter ego, the exact opposite (so much so that one is prone to call them Black & Dekker), but they are a formidable couple together, ironical and wise. That intestine full of music, of sounds, with that exhilarating presence that winds around the outlines holding an alarm clock, rendering the whole situation less dramatic, instantaneously shattering our indestructible veneration for Time. At this point we come across Debora Ramacciotti's installation in the Ipogeo delle conchiglie (Hypogeum of Shells). While rummaging in an old trunk, Debora discovered a series of coins; on one side showing familiar or forgotten images of popes and kings, dictators and revolutionary heroes, on the other side grapes and ploughs. Photographed and applied onto big discs, the coins now cross the tomb as though they were "thrown from the hands of a giant". Thus astray and enlarged, those austere and heroic figures, at the most, only look appropriate for caciotte and gorgonzola labels. Not only does Time make one laugh, but history too has its funny side. Next to Debora, in the Ipogeo del cippo (the Hypogeum of the Cippus), Gabriele Mallegni shows us his last fruits from his sculptural-psychoanalytical research on arachnophobia. With his sound monomania, Gabriele has been constructing his big animals for years, above all, insects and spiders with the use of iron (body, limbs, nervous system), and transparent resin (for the wings); ever more elegant and elastic creatures, now almost indestructible. Besides, when a sculptor decides to remake creation, some things are important, and Gabriele's insects are not "images" of insects. They move with the wind and project disquieting shadows. They amuse themselves by laddering the stockings of the young and incautious ladies that get too close. Gabriele designs these sculptures so as to free himself from a paranoia: "I believe that my work on insects is closely related to a strong attraction-fear that I have towards these beings, terror actually. Ever since my childhood, I have always associated a sense of bewilderment mixed with distress, maybe due to not being able to have control over their movements, and also to the apparently absolute incommunicability between us. If I imagine a dark place, a hole or gorge, or an abandoned place, the mental association to danger in the presence of an insect is immediate. I don't believe this to be connected to the fact that these beings can sting or injure; in fact, even those considered to be harmless and inoffensive stir uncontrollable reactions in me. Insects often represent an obscure threat in my nightmares. I have used retrieved materials in many cases for my sculptures, objects forgotten in dumps, and because of the place of origin, they were often infested with insects and spiders, and this caused me to mature the hypothesis of transforming these materials into insects. The search for various components and materials for my sculptures are, however, connected to my phobia towards insects; but it is through this research, that it opens up like a communication canal with a world that attracts and obsesses me. I am thus able to exorcise the fear by means of representing them, the fact of making them tangible, and being able to touch the insect without danger, give me the illusion of having overcome the terror. One of the reasons as to why I chose to use iron, either found or retrieved, is because I believe that this type of material is particularly suited for the subject represented, conferring a threatening and combative air upon it. I embarked on something different in my last sculptures, aiming at elegance and fineness of the forms, in the attempt of conferring lightness and dynamism upon the subjects". All being said, it is easy to imagine the rest: a war among spiders, those finished by Gabriele, and those real, nice big ones that used to inhabit the tomb. The course ends with the Ipogeo della Maschera (the Hypogeum of the Mask), in the installation by Costanza Del Testa. She is probably the most complex among them all, not only for the symbolic values, but also for the modalities of realization. A "Baroque" machine, composed of dozens of animals patiently sewn and painted, water and mirrors, lights that transform the hypogeum into a sort of digestive apparatus, "where the magical transformation from food to energy takes place". Costanza's irony is a close kin to the surrealist humor noir, of Dali's metaphors on food and of his world swarming with corrosive and alien presences. From Renaissance alchemy to the bulimic television images, from pagan symbolism to the science fiction cinema, the interpretive traces wind and muddle in a labyrinth of signs, recalling the enigmatic language with which the Sibyls used to prophesize the time to come.
Valerio Rivosecchi
|
|||||||||||||||||||||||||||||||||||
;)
;)
;)
;)
;)
;)
;)
;)
;)
;)
;)
;)
;)
;)